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安尼施·卡普尔 无题 钢、不锈钢
北京
2021年03月21日 开拍
拍品描述
作者 安尼施·卡普尔
尺寸 229.9×229.9×45.7cm
创作年代 暂无

当我们谈论卡普尔时我们在谈论什么
What We Talk About When We Talk About Anish Kapoor
作为安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)在中国大陆地区首次上拍的作品,《无题》将不锈钢的特性发挥到极致,作品对空间的延展实现了超越物质层面的精神探索。此作不同于卡普尔早期镜面雕塑的圆润,呈现出三棱镜(Random Triangle Mirror)效果,工艺更为精致与复杂,圆形镜的棱角将周围的光线折射成色块和幻影,利用扭曲的表面和变形的物体展现观众想象中的世界。不锈钢材质的反光特性赋予了静止雕塑无限的流动和可能性,正如唐纳德·贾德(Donald Judd)和其他纽约现代艺术家曾利用雕塑来重塑空间,卡普尔的凹面反光利用镜中世界将艺术与现实融为一体。作为印度裔的英国艺术家,卡普尔结合了东西方美学意识,将对立互补的哲思完美体现在这件超然的雕塑作品中。虚空的镜中世界是东方文化的精神内核和西方现代象征的完美融合。同系列的其他作品现藏于纽约大都会美术馆以及亚特兰大高等艺术博物馆等。
2011年,探讨平行宇宙的科幻电影《源代码》(Source Code)风行全球,在电影开场与结尾的画面里,都出现了芝加哥千禧公园的“豆子”雕塑,导演邓肯·琼斯(Duncan Jones)觉得这塑像代表着电影的主题。“豆子”是国际知名当代艺术家安尼施·卡普尔(Anish Kapoor)大型公共雕塑作品,它有一个浪漫的名字《云门》(Cloud Gate,2004),由多块不锈钢板高度抛光焊接而成,这是一件体量巨大的作品,但组建拼装毫无破绽可言,看不到任何焊接组装痕迹,浑然天成,像水滴般、镜子般透明,映照出芝加哥的城市景观。其弧度、凹凸和图像的反射,与周围景象兼收并蓄,使观者获得广阔、多重和奇妙的感受。
“云门”的空洞和突起隐喻了存在与缺席、隐藏与揭示的反差。“卡普尔把童话、宗教、哲学与日常的感性经验结合起来,并不把观念性强加于人,而是创造了一个让观众观看、浸入和反省的环境”,这件雕塑成为现代都市芝加哥的城市地标,每天吸引成百上千慕名而来的粉丝参观,据说在社交媒体上,已经产生约5亿张“云门合影”,可见其影响力之大。
去年,中央美术学院美术馆、太庙艺术馆相继举办卡普尔带有回顾性质的大展,呈现了艺术家横跨35年的重要艺术创作,由此在芝加哥千禧公园、伦敦泰特美术馆涡轮大厅、巴黎凡尔赛宫、罗马现代美术馆之外,中国观众可以更全面且近距离的观看这位国际当代知名艺术家的作品,关于“卡普尔”的话题讨论,曾一度霸屏各大艺术媒体头条。当我们谈论卡普尔时我们在谈论什么?卡普尔是谁?卡普尔的艺术在表达什么?卡普尔借助何种媒介表达?卡普尔所借助媒介背后的精神性溯源是什么?卡普尔又如何如此与众不同,魔力般征服全球观众?带着一系列问题,可以用几个关键词条分缕析,寻幽探境。
超越三维之魔镜
卡普尔青睐于高度抛光的不锈钢材质,他曾解释说:“对我来说,打磨表面的有趣之处在于,当它达至完美时,就会升华至超越物质性的一些东西。”他将这些作品称为“非物质”,内部的几何构造与反光材料共同构建了对具象的瓦解。2001年,卡普尔创作了第一件公共雕塑《天镜》( Sky Mirror ),同《云门》一样的不锈钢表面材质,是一个面向天空的巨大凹面镜。作品完成后,在全球陆续展出,最有代表性的两次分别在纽约洛克菲勒中心(2006)、伦敦肯辛顿花园(2010)。作品本身简化到只有材料本身,非物质的感受油然而生。
当一个直径为35英尺的凹面镜悬挂在纽约的洛克菲勒中心,“天镜”成为这个城市的一只眼睛,曼哈顿的高楼大厦与繁华灯火,都尽收天镜之眼。当它移步伦敦的肯辛顿花园,又是另外一幅景象,天镜与周围的田园景色融为一体,仿佛消失在自然界中,像浪漫主义画家康斯太勃尔(John Constable)的风景画,忠实的记录四季变化、斗转星移。
卡普尔在太庙展览中,也展出了大量镜子系列作品,有《倒置的世界》、《C形曲面》、《狭板》、《S曲线》、《非物质(尖顶)》等,这些作品利用不同型态的镜体表面的反射,使观众在镜子里所投射的自己呈现各种变形的状态。他们是超越三维的魔镜,太庙内的空间环境映射在镜子中,与观众的身体在作品内部通过变形的呈像,交融扭结在一起,所有的时间与外在共同参与且见证了作品的完成。
《无题》(2010) 是一面由几何图形拼接而成的圆形镜面,体量巨大但却无法看到任何一个焊接口,拥有极其完美和讲究的制作工艺,三棱镜拼接难度远远高于全镜面作品,正因为其极致的创作,让这件作品像一颗巨型钻石一般,在空间中熠熠生辉,充满将人吸入作品中的魔力。这幅不锈钢雕塑在延续镜面元素之外加入了更多的细节刻画。不同于早期镜面雕塑的圆润,这面圆形镜的棱角将周围的光线折射成色块和幻影,利用扭曲的表面和变形的物体展现观众想象中的世界。虽然镜子看似是一个平面,但是镜面的反射给观众带来沉浸式的多感官体验。站在镜子面前,观众即成为了作品的一部分 ,观看者和周围的空间被这座凹面镜面折射成倒立的细小碎片。同时,超过两米高的弧形镜面制造了良好的回声效果。
通过实时反射周遭的物体、空间和声音,《无题》镜面里的世界延展着现实空间,探索着真与假、镜与像的边界。不锈钢材质的反光特性赋予了静止雕塑无限的流动和可能性。正如唐纳德·贾德(Donald Judd)和其他纽约现代艺术家曾利用雕塑来重塑空间,卡普尔的凹面反光利用镜中世界将艺术与现实融为一体。
模糊边界之游牧
由此,这些经过精心打磨,简单到无以复加的魔镜,真正令人着迷的正是其在不同外在环境中所呈现出的变幻多端的视觉体验。这些公共雕塑作品,离开母体文化,成为在世界各地的游牧者,适应、融合,直至建立新的文化身份认同,这正是卡普尔的人生写照,一位模糊边界的游牧者。
卡普尔1954年出生于印度孟买,父亲是印度人,母亲是犹太人。他的艺术生涯始于1973年,到达英国之后,他分别进入英国霍恩艺术学院(Hornsey College of Art, 1973-1977)和切尔西艺术与设计学院(Chelsea School of Art and Design, 1977-1978)学习。毕业一年后,卡普尔在著名的英国蛇形画廊(Serpentine Gallery)举办首次个展,此后又陆续参与了第九届卡塞尔文献展、威尼斯双年展等众多重要国际展览,1991年卡普尔获得英国当代艺术最高奖“特纳奖”,1999年获选成为皇家院士,逐步蜚声国际。
卡普尔曾讲:“我是一个生活在英国的艺术家……很久以来,我都不知道自己应该算哪国人……”成长在一个宗教、民族成分复杂的家庭,这也不难解释为何他的作品一直致力于打破各种文化、民族、地域的界限。他在思想、艺术创作等所处的多重状态使他打破了规则、秩序和边界,成为一个真正的游牧者。
正是这种追求使得他的作品摒弃了传统雕塑和展示空间相对独立的关系,模糊了建筑与艺术的界限,同时容纳了西方与东方、内在和外在、物质与非物质种种对立矛盾,也模糊了有限与无限之间的界限。它们充满着空白,充满着不确定性,充满着想象的自由,充满着改写和重写的自由。
崇高静穆之氛围
卡普尔的雕塑持续探究着材料媒介和文化隐喻的边界,除了不锈钢材料,卡普尔还广泛使用了各种物质性的媒介材料,如红蜡、PVC、水、泥土粉末等,来进行广泛的艺术创作,尤其他的大型雕塑装置作品多数呈现出宗教般的崇高静穆之氛围,
中央美院美术馆的卡普尔同名展,《致心爱太阳的交响乐》(Symphony for a Beloved Sun, 2013)、《将成为奇特单细胞的截面体》(Sectional Body Preparing, 2015)、《远行》(Destierro, 2017)、《我的红色家乡》(My Red Homeland, 2003)四件作品,用强大精神气场撑起了展览基本面。
作品中使用的红蜡,也是杜尚和博伊斯都曾热衷的材料,蜡的透明感与柔软性很容易让人联想到皮肤和肉,它是制作蜡像和人体雕塑的最佳材料。卡普尔常将红蜡与动态装置相结合,力图引发与观众情感的强烈互动。PVC材料的性能为他作品规模和体量的扩大提供了可能性,鲜红的PVC帆布拉出大喇叭的形状,颜色艳丽、材质光滑,表面呈现清晰的纹理。鲜红的洞被神秘地连接在了一起,形成了一张关于躯体、存在与信仰的网。
卡普尔认为,“所有我在艺术学校和工作室中的创作,都与我曾在印度看到的事物有关。我创作出的物(object)与 做(doing)、仪式 (ritual)有关,它们代表着一种能动性(doingness)。这个过程近乎于宗教,我无时无刻都能看到它,就像是一种巨大的慰藉。”
在一些学者的论述中,将卡普尔崇高的作品氛围归结于爱迪生的“自我保全”理论。说到崇高,是因为我们感受到了“自我保全”(爱迪生《想象的快感》),正是因为有着身临其境的感受,我们才会觉到恐惧,但心怀恐惧的我们,很清楚很明确地知道,我们来看展览,并不会对自身造成危险,因而,一种崇高感便因这种“自我保全”而产生。其实早在2007年,北京常青画廊就曾举办过卡普尔的展览《升华》,展览中的装置作品完全切合这种“自我保全”论,也让人联想到西斯廷教堂闭门选举主教成功时,那缕静穆的白烟。
几个片段,并不足以让我们充分了解卡普尔,甚至不全面。大道至简,纵观卡普尔几十年的艺术生涯,致力于拓展“雕塑”的概念与外延,从对外部世界的关怀,到人性深处的自省,打破作品的中心概念,呈现哲学思考,观察身边的世界,思考自我存在的意义。我们越来越多的看到了一位作为“哲学家”的卡普尔。

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